Hay obras de arte que consiguen encerrar un halo enigmático como sucede con el cuadro de “Las Hilanderas” (o La fábula de Aracne) de Diego Velázquez.
Conservada actualmente en el Museo del Prado, ante la sofisticación técnica de este lienzo pintado hacia 1657, el espectador se siente atrapado primero por la atmósfera y después por el misterio. ¿Estamos ante una simple escena cotidiana o hay algo divino oculto entre las sombras del taller?
¿Qué historia, qué secretos y qué mensaje encierra realmente esta imagen?
Contexto
Diego Velázquez pinta «Las Hilanderas» en 1657 en Madrid, durante el reinado de Felipe IV. Aunque España está en declive político, la corte madrileña sigue siendo el centro cultural de Europa.
Velázquez además de pintor del rey desde 1623, en 1652 se convierte en aposentador mayor. Este puesto lo convierte en gestor absoluto de todas las colecciones reales y palacios, dándole acceso exclusivo a las obras maestras guardadas en las «Bóvedas del Tiziano».
Según las fuentes el cuadro es un encargo de Pedro de Arce, montero de cámara (guardia personal) y no del rey. Esta es una excepción en la carrera de Velázquez, quien casi nunca trabajaba para privados.
Ingeniosa composición
«Las Hilanderas» tiene una estructura doble e invertida, ya que conviven dos espacios claramente diferenciados que crean significados opuestos.
El primer plano en penumbra nos muestra un taller de hilanderas tejiendo lana. Es la escena de trabajo manual, cotidiana, realista.
En cambio, el segundo plano más iluminado representa una estancia elevada como un escenario teatral donde ocurre el mito de Aracne y Palas. Es la escena divina, intelectual y simbólica.
Esta inversión de escenas es clave, pues lo que debería estar en primer plano (el mito importante) está relegado al fondo y lo anecdótico como es la tarea de hilar lana ocupa el centro. Velázquez obliga al espectador a «descubrir» el verdadero tema viajando visualmente desde la oscuridad hacia la luz.
En este contexto, Velázquez despliega su “manera abreviada” o técnica final. Rompe con el dibujo preciso para pintar directamente con el color y la luz. Utiliza una pincelada suelta que, vista de cerca, parece una mancha abstracta, pero que al alejarse cobra un realismo fotográfico insólito para el siglo XVII.
El maestro sevillano logra aquí la perspectiva aérea, es decir, representa el espacio que hay entre las figuras. La sensación de profundidad no se logra solo con líneas geométricas, sino difuminando los contornos y enfriando los colores del fondo, creando una atmósfera densa y polvorienta donde la luz es la verdadera protagonista.
Este enfoque técnico provoca un arte que engaña al ojo y a la mente. Velázquez nos obliga a completar la imagen en nuestro cerebro, haciéndonos partícipes de la creación visual.
Los personajes
En el primer plano podemos observar cinco mujeres organizadas en un círculo perfecto alrededor de un vacío central. Este vacío crea una tensión compositiva, atrae la mirada hacia el centro, desde donde se sube hacia el segundo plano. Veamos uno a uno los personajes de la escena:
1. La anciana tejedora (a la izquierda): es un personaje clave que maneja la rueca. Transforma la fibra bruta en hilo mediante rotación continua. Velázquez logra sugerir movimiento de la rueca mediante pinceladas borrosas que crean efecto de giro. Su identidad oculta es la diosa Atenea. Un detalle a considerar es que su pierna descubierta y musculosa transgrede la apariencia de una anciana por lo que se evidencia la naturaleza divina bajo una apariencia mortal.
2. La joven de perfil (derecha): ha sido identificada con Aracne. Se dedica a preparar la materia prima mediante cardado. Su postura corporal es compleja y retorcida, mientras mantiene concentración absoluta en la labor. La iluminación estratégica sobre su hombro y vestidura blanca la convierte en referencia visual destacada. A su alrededor, otras ayudantes y un gato soñoliento refuerzan la sensación de cotidianidad que disfraza el drama inminente.
3. La devanadora (derecha en posición sentada): es la encargada de enrollar hilos ya procesados en madejas. Su quietud y silencio contrastan con el movimiento de las otras figuras, de esta manera se da importancia a la concentración del trabajo artesanal.
4 y 5. Figuras auxiliares: son dos mujeres de apoyo que circulan transportando vellones entre las trabajadoras principales. Su movimiento constante genera dinamismo circular y mantiene el flujo continuo del proceso productivo.
Entre el primer y segundo plano hay una escalera a la izquierda y un espacio más abierto y luminoso. Las figuras del fondo están mejor iluminadas, más elevadas, separadas del trabajo manual.
En el segundo plano vemos como se desarrolla la escena mitológica que se compone de nuevo de cinco mujeres en círculo. No obstante, en este caso están inmóviles y expectantes, mirando hacia el centro donde ocurre el drama.
- Las tres mujeres centrales del segundo plano:
Mujer de la izquierda (con brazo apoyado): Está sentada en un escabel (mueble toscano del siglo XVI). Junto a ella hay una viola da gamba (instrumento musical de arco, ancestro del violonchelo). Algunos la identifican como una de las Musas o una personificación de las Artes. Su postura es de reflexión, contemplativa.
Mujer de la derecha (de espaldas al espectador, mirando hacia el fondo): Es la única figura del cuadro que mira directamente al espectador, estableciendo conexión visual. Nos está diciendo: «Mira, lo importante ocurre allá». Su chal está pintado con pinceladas tan sueltas y translúcidas que parece evaporarse.
Mujeres del fondo extremo: Apenas definidas, casi manchas de color. Están junto a un tapiz al fondo que representa el Rapto de Europa de Tiziano
2. Las dos figuras mitológicas centrales (en el tapiz o delante de él):
Palas (Atenea) con casco: Alza la mano en gesto de sentencia o castigo. Su casco la identifica como la diosa guerrera. Está en postura de contrapposto (una pierna adelante, otra atrás) para crear dinamismo.
Aracné: Frente a Palas, en el momento de su transformación o juicio. Su figura parece que casi se disuelve en la pintura.
El tapiz de fondo cuelga en la pared posterior y reproduce el Rapto de Europa de Tiziano. No es casual su posición, pues es la cita artística central. El tapiz nos muestra el mito de Europa siendo raptada por Zeus transformado en toro, escena que Aracné había tejido en su propio tapiz para desafiar a Palas.
De esta manera Velázquez introduce el recurso de la metapintura, es decir, un cuadro que cita otro cuadro.
Significado del cuadro
Durante más de tres siglos, el cuadro fue interpretado como una simple escena costumbrista de un taller de tapices donde mujeres preparan la materia prima para tejer.
Sin embargo, bajo esta apariencia cotidiana se oculta el mito de Aracne. Según las Metamorfosis de Ovidio Aracne es una chica hija de un humilde tintorero con una gran fama por su extraordinario talento para tejer, tan perfecto que atrae incluso a las ninfas. Orgullosa, Aracne comienza a decir que su habilidad la hace superior a la diosa Minerva. Es por ello que Minerva la desafía a un duelo de tapices en el que ambas crean obras impecables. por un lado, Minerva teje la gloria olímpica y castigos a mortales arrogantes. Por otro lado, Aracne denuncia con maestría los abusos y engaños sexuales de los dioses hacia mujeres mortales, como Zeus transformado en toro o cisne. Furiosa no por la técnica (ya que el tapiz está impecable) sino por el contenido veraz e insultante, Minerva destroza el tapiz rival, golpea a Aracne con su lanzadera y, cuando la joven intenta ahorcarse en su humillación, la transforma en araña, condenándola eternamente a tejer desde sus entrañas y colgar de hilos, explicando así el origen de estos animales.
Velázquez, en su obra no narra explícitamente el mito, sino que lo incluye en los personajes y espacios que representa. Así pues, la anciana hilandera de la izquierda es en realidad Atenea disfrazada en forma mortal; la joven concentrada en su trabajo representa a Aracne; el fondo iluminado captura el momento del juicio divino; y el tapiz al fondo reproduce el Rapto de Europa de Tiziano, que es precisamente el tema que Aracne tejió para desafiar a la diosa. Lo revolucionario es que Velázquez, como hemos visto, invierte el orden narrativo. Es decir, deja el mito importante al segundo plano mientras ubica el trabajo artesanal ordinario en el primer plano oscuro. De esta manera provoca un desconcierto intencional al espectador.
El objetivo real de Velázquez en esta obra es reivindicar que la creación artística es un acto de pensamiento, no de manuabilidad. Dicho de otra manera, el trabajo de hilar es solo una transformación mecánica de la materia, mientras que el acto de tejer un tapiz con un significado simbólico (como hace Aracne al representar historias de los dioses) significa un acto intelectual. Y es que en el siglo XVII español, el oficio de pintor era considerado como un oficio manual equiparable a la carpintería o la herrería.
Más profundamente aún, el mito de Ovidio permite a Velázquez plantear una pregunta filosófica fundamental: ¿pueden los mortales competir con los dioses? Su respuesta es paradójica. Atenea castiga a Aracne no por inferioridad técnica, sino por desafío a la autoridad divina. Esto autoriza a Velázquez a argumentar que los artistas humanos pueden crear al nivel de los dioses, pero nunca alcanzarán la perfección absoluta porque poseen capacidad infinita de progreso.
A nivel personal, el cuadro funciona como testamento vital. Velázquez tiene 58 años cuando lo pinta y sabe que le quedan pocos años de vida. En «Las Hilanderas» responde conscientemente: ¿dónde me sitúo en la historia del arte? ¿Quiénes son mis verdaderos pares? ¿Cuál es mi legado? Las respuestas visuales están todas presentes: soy heredero intelectual de los maestros venecianos y flamencos; creo que el arte es actividad mental, no manual; defiendo el progreso artístico indefinido; pinto con color en lugar de línea; tengo suficiente poder como aposentador mayor para pintar exactamente lo que deseo. Es la declaración existencial del artista que sabe que está al final de su trayecto. Un año después, en 1659, Velázquez logrará la Cruz de Santiago.
Legado de Las Hilanderas
El cuadro sufrió daños en el incendio del Alcázar de 1734 y fue ampliado (se añadieron bandas de tela en los cuatro costados en el siglo XVIII, sobre todo en la parte superior, el arco), lo que alteró la composición original de Velázquez, que era más concentrada. Sin embargo, su potencia permanece intacta.
La obra del gran pintor de la corte española Diego de Velázquez ha influido en generaciones de artistas como puede ser Goya o los impresionistas, que vieron en esa rueca en movimiento y en esa atmósfera el nacimiento de la pintura moderna.
Se trata de una obra que nos enseña que la realidad siempre tiene múltiples capas y que, a veces, hay que analizar las situaciones con detenimiento para desentrañar todo su significado.
Si quieres saber más...
Para contextualizar la obra…
Para conocer brevemente los movimientos artísticos de manera fácil y muy resumida te recomiendo El pequeño libro de la historia del arte.
Para saber más sobre el contexto histórico de manera breve también, te recomiendo El pequeño libro de la historia universal.
Si quieres saber más…
- Visita el Museo del Prado. Te dejo aquí los Imprescindibles para el Museo del Prado.
- Webgrafía
Redacción La Vanguardia. (2021, 12 de julio). Las hilanderas, el genial secreto de Velázquez. La Vanguardia. Recuperado de https://www.lavanguardia.com/historiayvida/edad-moderna/20210712/7595509/hilanderas-velazquez-dimensiones-originales-museo-prado.html - Conferencia de Ángel Aterido «Obra comentada: las hilanderas de Velázquez«.
